无机的视觉，无尽的快感

　　BY　鲍 栋

　　《陈文波个展》于12月12日在沪申画廊开幕，这是这位艺术家在上海的首个展览。展出的作品以装置为主，陈文波在呈示着他真正关心的主题：这个时代的视觉状况。

　　在这里，把主题(theme)与题材(subject)分开，是为了让艺术作品摆脱那种反映论思维框架，更是为了能够铆住我们应该真正面对的“内容”，即艺术家是如何建构其主题的。这种区分尤为必要，因为只有把他绘画作品的题材放到某个主题呈现的过程中，其题材的意义才能明确。否则，我们干脆把他视为一个描绘当代生活的静物画家。实际上，即便是历史上的曾经的静物画也不仅是为了再现静物题材本身，比如布列逊认为17世纪的荷兰静物画主题是“富足”，而弗莱则认为塞尚静物画所呈现的是他的造型观念。

　　而在陈文波的绘画中，我第一眼发现的是“光”，他描绘那些都市生活场景是为了凸显“光”，包括反光、高光、光源本身，以及光源带来的色调，物体本身反而没有多大意义。甚至，陈文波之所以喜欢选择那些质感光滑的事物，在很大程度上就是因为它们能够更好地呈现出“光”的戏剧性在场。题材的意义即体现出来了，就像塞尚喜欢那些不易腐坏的洋葱、苹果，而很少画易逝的鲜花一样，这并不是因为两者背后的象征意义不同，而是因为洋葱、苹果这些结构明确的物体更便于被塞尚用来演绎他的视觉观念(相反，莫奈热衷于画花)。因此，陈文波最优秀的作品几乎都是那些描绘了镜子、玻璃、塑料、金属、烤漆等物体表面的作品，光的能量在其中最大程度地显现了出来，在高反光的环境下，物体的造型性几乎消失了，它们不再是可触摸的对象，而成了纯粹的视觉对象。

　　实际上，凸显“光”就是为了强调“看”，为了强调“看”(而不是“看见”或者“看似”)，被看的客体一定要从属于视觉本身，甚至无所谓有没有看之客体，视觉性本身成为了视觉对象。陈文波强调“光”与“看”，却毫不在意物体的造型性与对象的实在性，在这里，他建立了他的视觉主题，一种耀眼而盲目的视觉性。

　　甚至，这种视觉性也是没有主体的，它并不包含那种审美经验，这首先表现在对所谓“绘画性”的拒斥上，禁止笔触，禁止画家身体的出场，防止观众——他们总是习惯在绘画中寻找那种个性的神话——从画面追溯到画家。这也体现为对所谓“形式语言”放弃上，放弃对画面结构的主动把握，放弃主体的意志，停止那种想象力与知解力的心灵游戏。也就是说，陈文波的绘画既不指向物(物体或含义)，也不指向人(身体或心灵)，它们提供给观众的只是一个表面，世界在那里生产着一种没有信息的快感，一种从符号中剥离出来的快感。

　　于是视觉成为了一次次的事件，“看”成为了差异性复数形式，凝视不再可能，只有被无数一瞥所无尽延宕的视觉活动。甚至视觉物，比如古典意义上的绘画，也不再可能，在这个意义上，陈文波的作品已很难叫做“绘画”，称它们为“绘画”只是一种保险的说法，是一种人们维护自身安全感的行为，换句话说，它们已经让“绘画”这个概念感到了威胁。

　　这种自指的观看机制的极端模型就是波德里亚的“镜子大厅”，在那里，镜子映现的只是镜子，“看”只是一种无机的运转，视觉因而不再建构一种人与人、人与物的关系，只有从物到物，无尽的物。■