精神的张扬（文心探访）(图)

http://www.sina.com.cn 2003年07月17日05:35 人民网-人民日报

徐怀谦／文　罗雪村／图　　韩静霆，1944年生于吉林东辽，毕业于中国音乐学院，专攻二胡、琵琶。现为空军文艺创作室主任，文职少将。以文学影视作品《凯旋在子夜》、《战争让女人走开》、《孙武》和歌词《今天是你的生日，中国》等名世。1979年开始师从许麟庐学画。有“文坛奇才”之称。近日记者就有关文人画的问题采访了他。

　　记者：有人说，中国画的题材过于狭窄，总是画些花鸟虫鱼、人物山水，而且技法也较陈旧，现在的人再怎么画，也画不过齐白石、张大千，因而认为中国画已走进了死胡同。人们在问：中国画的出路何在？

　　韩静霆：我也看到一些文章，说中国画穷途末路了，我不同意这种说法。只有个别的画家可能穷途末路，但作为一个画种，不存在这样的问题。从绘画史上看，从写实到抽象，出现过各种各样的画派，可以说中国画一直在突围。西方的油画也是这样。比如，印象派一开始并不被接受，连当时的沙龙画展都排斥他们，现在却价值连城。从世界范围看，我认为主流绘画已经过了写实的阶段。我在圣彼得堡看到列宾的《伏尔加河上的纤夫》、《扎波罗什人给土耳其苏丹王写信》等作品，那种写实咄咄逼人、有声有色，看了让人两腿发抖，非常震撼。现在的画家要在写实方面超过他们，很难。

　　中国画讲笔墨，这就不是生活原生态了。因为生活是光是影是色而不是笔墨，讲笔墨本身就是要对生活进行提炼和抽象，它最讲求画家的情感和个性。从这点来说，中国画更具时代性。在传统绘画中，也是这样。苏东坡就说过：论画以形似，见与儿童邻。齐白石认为：太似为媚俗，不似为欺世。这些都是中国画根本的原则，道出了中国画的优长。另一方面，绘画这种艺术形式是离不开材质的，而中国画的材质非常特殊，它用的是宣纸，纸寿千年，能保存很长时间；更重要的是，笔和纸和墨和水结合在一起，瞬间发生的那些变化，会使你的创作出现很多意想不到的东西，使你的灵感找到发挥的空间。

　　记者：这需要创作主体是一个有才分的人，他才能捕捉到瞬间的变化，才能有灵感发生。

　　韩静霆：当然。现在民间一些人画国画，是把它作为一种自娱自乐的方式，是玩，没有提升到创作，我称它为健身。在画家里也分很多层次：有画家、有画匠，也有不少蒙事儿的。古人讲，画竹就是写“介”字和“个”字，“介”字和“个”字谁不会写？所以有人说，中国画三天就能学会。经过历代优秀画家的不断拓展、探索，中国画早已符号化、抽象化了，比如画树，什么蟹爪枝、鹿角枝，比如画山水的皴法，披麻皴、斧劈皴，你会这个，就会画画了。我们必须承认，符号化的这个过程其实是很艰苦的，非常了不起，它留给今天画家发展的空隙非常小。现在的画家如果没有创造，全部是把前人创造的符号拿过来，因袭下去，那就完了。更何况，我们还比不过前人。比如，吴道子的线，当时称“吴带当风”；明代陈老莲的铁线，非常坚挺，都很难学。更重要的是你很难画出吴道子画中那种雍容华贵的盛唐气象，郑板桥竹画中的书卷气和八大山人画中的愤世嫉俗。

　　记者：您刚才说的郑板桥、八大山人都是文人画中的佼佼者。在中国绘画史上，文人画占据着非常重要的地位。它的创新意识、它的思想价值对传统绘画曾发生过强烈的冲击；但文人画也有一个公认的弊病就是疏于造型和写实。你怎么看这个问题？

　　韩静霆：文人画在中国是一种传统。所谓文人画，首先他得是个文人，具备文人的素质，他的画要有文气。没有文化，胡涂乱抹或想当然地来那么几笔，算不上文人画。我最推崇的文人画家，第一就是徐青藤，他画的葡萄，点点都是墨痕，都是情感。我想目前中国画存在的问题有两个方面。一方面，一些画家为世俗所动，为经济所动，不求进取。一个画家如果没有情感，只剩下对金钱和虚名的追逐，那就完了。另一方面，和人们对画种的理解也有关系。我不认为写实是中国画的最高境界。写实未必是出路。但我不反对中国画家要有很强的造型和写实的能力。像梵高、毕加索、张大千等中外画家，写实的功力都是很深的。

　　记者：您是不是认为写实的画，像工笔花鸟属下品？

　　韩静霆：不能这么说，中国的花鸟画是很厉害的。工笔花鸟画也可以融入西方的构成，可以使用新材料，可以有很多创造。画的高下不在形式，而在于是否融入你的情感和个性。我看到为数不少的画家造型能力很强，中锋侧锋用笔用墨都不错，但他追求完全的写实，毫发毕现，所以越画越糟，越画越俗，为什么？生气全没了。

　　另一方面，由于时代的变迁和人们思想感情的变化，一个时代有一个时代的观看形式和叙事方式，这需要所有的艺术家去寻找。为什么中国文学史上是楚辞、汉赋、唐诗、宋词、元曲而不是楚赋、汉辞？就是这个道理。拿音乐来说，交响乐还在不断创新，不能说贝多芬之后就没有交响乐了，甚至像奏鸣曲这种严格的曲式，到今天它还活着。中国画也是一样。关键是画家要表现出自己的情感。我认为，中国画是表现强于再现。

　　记者：和文学、戏剧各界一样，这些年在国画界，人们也从未停止过对大师的呼唤。现在的画家距离大师到底有多远？怎样缩短这个距离？

　　韩静霆：每个人都在想接近大师，郑板桥说自己是“青藤门下走狗”，齐白石说自己是“走狗的走狗”，都是表明他们对创造的一种崇敬。苏东坡开创用朱笔画竹子。他说：你用黑墨画，我为什么不能用朱笔画？我觉得重要的是张扬你的个性，不断创新、实践，说不定就靠近大师了。当代自封的大师太多，排座次的也多，很荒唐。

　　记者：您认为中国画是最能张扬个性、张扬自我的。可是为什么人们看画展时往往有千人一面的感觉？

　　韩静霆：现在中国画分得越来越细。画花鸟的、画山水的、画人物的，具体到有画驴的、画马的、画狗的，有“猫王”、“牡丹王”，能这么分吗？我以为，重要的不是你画什么，而是怎么画，如何叙述，如何陈情，看你的画到底有没有风格，有没有生命。有些画家封王以后，不断在那里重复自己，这是很可怕的事情。我的老师许麟庐说过：没有十全十美的画。这句话简直是名言。创造和探索，开始总是有破绽的，宁要有破绽的创造，也不要圆熟油滑的因循。一个明智的画家、有进取心的画家都知道自己哪幅画有毛病，毛病在哪儿，他不应该听任别人吹捧。这点很难做到。

　　另外，我认为中国画在艺术教学中存在不少问题，比如中国画考级。有人在教孩子怎么画荷花、怎么画蛤蟆，这是误人子弟。在打好绘画基础后，最重要的是要充分利用孩子的灵性去创造，要因材施教，发展自我。不少美术学院的学生，学了多年的画，还不懂冷暖关系，不懂冷暖之间要有一个过渡，不懂中国画的特殊色彩学，不少画变得不中不西，不古不今。还有一些现代画派的画家，表面看都在追求个性，但没有品格和功力在那儿支撑着，所以仍然是千人一面。所以我认为在古人说的气韵生动、骨法用笔、经营位置等六法之外，最重要的是要锻造品格。你拿出去的画都是你生命的一部分，是把自己的灵魂赤裸裸地展示给别人看。有了这种认识，不断实践下去，才能有所创造，在绘画中实现自己的人生。

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