原生态民歌：走上舞台了，它还是它吗？

　　①田野采歌：三代人、2万4千多里

　　记者：听说，您有这样一种“特殊身份”：原生民歌的采集者，每年都要下到田间地头去采歌？

　　刘晓耕：从五六十年代开始着手，到如今每年还下去，这项事业我们差不多进行了几十年。第一位采歌者杨放老先生今年80多岁了，后来接手的张兴荣教授60多岁，现在我们这一批50多岁。三代人不间断地在做。走过的路要超过2万4千多里。我们采集完了，整理成音像资料《云南民族原生音乐纪实——巅》，到今天已经是第十张了。

　　记者：费这么大劲，意义何在呢？

　　刘晓耕：一是民歌确实很珍贵，正是这些来自大山深处的、带着泥巴味芳香的民歌，构成了我们民族文化的博大、丰富和千姿百态。最近还有美国加州的一位指挥家专门飞到昆明来找我，吸引他的就是这种独特的音乐符号。

　　二是它消亡的很快。随着老艺人的去世等原因，很多音乐很少人听到就消亡了，“木末芙蓉花，山中发红萼。涧户寂无人，纷纷开且落”，这是很痛心的事。我有个朋友在深山老林搞纪录片，说西双版纳有好多物种人们还没来得及发现、认识它，就没了。这么好的民歌，说没就没了，能不痛心么？

　　②与乐府采歌传统血脉相通

　　记者：这还让我想起了咱们历史上的乐府采集民间歌谣的传统——

　　刘晓耕：要从传承文化角度，我们和乐府采歌是血脉相通的。往深里说，我们爱的不仅仅是歌，而是脚下这块土地呀。

　　乐府时代，还无法进行录音。可只有把音乐最原始的声音记录下来了，才算真正记录了。用文字的表述来记录音乐是模糊的。比如你说唐代的音乐，宫商角徵羽如何如何，终究隔了一层。海带腔，你怎么去精确描绘它？我们把它录下来，不管过去多少个世纪，人们都能听到，先祖有过这么美妙的声音。——这意义就更大了。

　　传于大众

　　③从保存整理到推向社会；一个走出大山的梦

　　记者：把歌采回来，这还只是第一步吧？

　　刘晓耕：对。我们的全套工作可以分为四个环节：第一步是从田野间采集回来，第二步是进行分析整理、出版、研究；第三步是在校园内进行传承；第四步是推向社会，让民歌走进一般民众的生活中，甚至走向世界。

　　记者：保存、传承好理解，但“推向社会”是怎样考虑的？

　　刘晓耕：我们要让这些音乐成为活的“化石”，要让它在更广阔的天地间放出异彩。不能停留在小圈子里自娱自乐。

　　记者：为什么？

　　刘晓耕：原生态民歌是非常有生命力的，不应该死去。如果只躺在博物馆中，岂不是太可惜了么？这么独特的音乐符号！这么十足的魅力！如果不传播出去，它对社会文化的影响终归是小的。对于一般老百姓来说，跟在深山里自生自灭有什么区别？又怎么能为我们民族文化的发展提供更有力的支持和补充？

　　不瞒你说，我有一个梦想。我们的原生态民歌不仅仅要让中国人听，还要走进维也纳金色大厅，走进世界顶级音乐殿堂，走进西方主流音乐文化中，成为他们音乐生活中的存在。比如在新年音乐会的时候，很自然地就演奏我们的原生态民歌，而不仅仅是一时的好奇。

　　记者：我能否这么理解——原生态民歌要生于山间，但不能终老于山间？

　　刘晓耕：对，对！

　　④走上舞台了，它还是它吗？

　　记者：可问题在于，怎么推向社会。听说，我们并不是简单把采回来的歌直接拿出去，而是根据它的结构、特点等，重新进行一番创作？

　　刘晓耕：是的。我们会在保持框架不变、音乐灵魂不变的前提下，要加入有时代感的表达形式。我喜欢用“基因”这个比喻。基因中含有固定不变的遗传密码，但又是允许变异的。比如二胡，源头上是胡人的乐器，现在已经演变成汉族的乐器。一成不变，现代观众接受起来会有距离。

　　记者：具体的说呢？

　　刘晓耕：具体的说，比如，把西洋管弦乐和原生态的演唱结合起来。坚持我们独一无二的艺术基因，然后用世界通行的艺术手段包装。我们的《小河淌水》就是民歌与管弦乐结合的典范。

　　记者：这还是原生态么？

　　刘晓耕：灵魂没有变，遗传密码没有变。

　　记者：管弦乐都加进来，这和保存不矛盾么？

　　刘晓耕：不矛盾。我们有句话：原样保存，绝不许变；另起炉灶，披上新衣。采集来的蓝本是封存的、是不允许加任何东西的，是求真禁变的；然后，我们根据蓝本的基因，结合易被听众接受的当下元素，进行创作，然后推广。一手保护，一手推广，两者并行不悖。

　　⑤商业化是不是原生态的梦魇？

　　记者：修旧如旧，灵魂不变的创作，或能不走其神；可是商业化的运作方式对原生态的影响恐怕不会这么正面吧？

　　刘晓耕：问得好！这的确是个问题。好多拿原生态炒作的演出，这个问题更突出。

　　不商业化，不卖票，无法走近普通大众；但一旦这么做，不说别的，演员身上质朴的泥土味就会发生微妙的变化。比如海带腔，常参加商业演出，演员就会加入一些程式性的、装饰性的东西，就会一步一步远离原来的味道。这就要求从事传播环节的人素质要高，要有警醒。我们会特别留心这种变化，随时敲警钟。我们有最原始的资料，可以对比。什么可以变，什么不能变，才能保持味道不走，这一点要非常专业，还要非常审慎。

　　演于舞台

　　⑥亮点在于丰富

　　记者：这次演出，想必要体现您的这些想法。

　　刘晓耕：是的。我们推广原生态，不是说找几个农民过来一唱，不是这样的。这毕竟不是一次学术展示。原创作品超过60％。就是用原生态的灵魂驾驭时代感的形式。

　　记者：最大的亮点是什么？和杨丽萍的《云南映像》的区别在哪里呢？

　　刘晓耕：最大的亮点在于丰富性。我们更注重音乐的丰富性，演出容纳了云南16个民族的独特声音元素，歌的品种、独特的艺术符号要多于《云南映像》。我们的演员组成也很丰富，来自各个地方，每一组演员的个性都特别强。如同一道大宴，菜品特别多，每一道菜都有不同的味道，非常丰富。

　　记者：还有呢？

　　刘晓耕：还有就是，侧重点不同。《云南映像》重在舞，我们这个重在歌。云南是民歌的海洋，可是你让一般的老百姓感觉，能盘旋在他们心头的除了那些电影插曲，就很少，甚至不如内蒙古、陕西等地的多。我们要在这个方面做一些突破。

　　此外，这次我们的一个目标是，更注重打动心灵。过去云南特色的演出，似乎比较注重华丽的民族服装，欢腾的场面，诉诸眼睛和耳朵，我们这次有意识加强了一些很安静的牧歌。不闹，如同天籁，滋养心灵——这是云南民歌中的重要组成部分。

　　（刘晓耕，现任云南艺术学院音乐学院院长，中国音乐家协会会员，云南省音乐家协会副主席。）